"Mise à mort du cerf sacré est un empire de symboles que Yórgos Lánthimos n’organise pas comme un parcours lourdement démonstratif, mais comme un cheminement de signes prémonitoires pour les personnages eux-mêmes. Nous repérons avant eux ces éléments de reconnaissances disséminés conduisant vers l’inéluctable. Tout est dit d’emblée dès le titre : cette réflexion autour d’une symbolique, cette façon de relire la réalité par le biais de l’allégorie à la manière des tragédies antiques ou shakespeariennes, où les sentiments sont poussés vers leur extrémité. Splendeur d’une œuvre opératique et exacerbée qui ne supporte pas la tiédeur, qui avance en gradation vers un dernier acte en acmé que vient soutenir la Passion selon saint Jean de Bach.

La terreur émerge de cette rencontre avec ces personnages qui tentent de se raccrocher à leurs codes, à les effectuer inlassablement, à les imposer : Nicole Kidman baisant les pieds comme une Marie-Madeleine, Colin Farrell séquestrant l’adolescent façon «revenge » pour protéger sa famille. Sauf que rien ne fonctionne. Dans Mise à mort du cerf sacré, tout n’est que dysfonctionnement. Au point qu’à travers ce révélateur vengeur se lit l’éclatement de notre civilisation même. On aurait tort d’y faire une lecture chrétienne du type faute / expiation tant Yórgos Lánthimos se détache de toute morale, son œuvre ne cessant de manipuler le blasphème et le tabou.

Yórgos Lánthimos ne joue pas à faire l’inventaire d’une symbolique chrétienne lourde. De manière extrêmement perfide et baroque, il organise en quelque sorte la rencontre entre la mythologie antique et le christianisme à travers l’arrivée de cet ange exterminateur qui agit comme un dieu grec."

"Devant les enchaînements de travelings (latéraux, avant, arrière), ou plusieurs magnétiques mouvements d'appareils, la comparaison avec Kubrick semble de prime abord évidente, quoique partiellement hors sujet. En effet, le découpage du cinéaste vise plus le vertige organique que l'écrasement opératique. L'hôpital, une angoissante cafétéria, les abords de Cincinatti, chaque espace devient un nouveau ventricule, un repli bilieux, ou l'artère d'une gigantesque carcasse, dont le spectateur pourra prendre le pouls à mesure qu'il accélère. C'est donc une entité palpable, fiévreuse, qui se dévoile sous nos yeux, plus qu'un opus magna dédié à sa propre perfection."

Pour contrebalancer ces mises en place élégantes sinon fastueuses, le réalisateur use d'un mixage sonore qui confine parfois à l'agression, tant il traque la moindre nappe de son pour la transformer en une source d'angoisse capable de contaminer jusqu'à la situation la plus anodine. Il en va de même pour la photographie, la plus vivante, lumineuse et chaude jamais vue dans un film de Lanthimos. Elle se réserve néanmoins toujours la possibilité de subvertir ses équilibres chromatiques, transformant un plan clinique en image verdâtre sur le point de se décomposer. La beauté plastique de l'ensemble ne contredit alors jamais le malaise suffocant que cherche à provoquer le film, mais le nourrit constamment, jouant malicieusement avec le spectateur, auquel il offre de fausses zones de confort.

Mais là où le metteur en scène impressionne tout à fait, c'est dans la vigueur avec laquelle il s'empare des codes du cinéma de genre. Il jongle à toute vitesse entre l'horreur psychologique, un dégoût du corps qui tutoie régulièrement Cronenberg, mais aussi les spectres du cinéma d'Exorciste, au fur et à mesure que la malédiction promise au sien prend forme. S'il a toujours été à l'aise avec l'étrangeté, voire le malaise, Lanthimos n'avait pas encore travaillé la peur comme carburant premier de son récit. Il opère ce changement avec un naturel confondant, et trouve là un rythme, un réseau de codes, qui décuplent l'impact de sa mise en scène."